La Cueva de la Vieja (o cien años no son nada)

En la localidad de Alpera, provincia de Albacete, existe un monumento artístico de máximo nivel, que este año que termina celebró el primer centenario de su descubrimiento, exactamente el 15 de diciembre de 1910.

Se trata de un abrigo que presenta algunas de las más importantes representaciones del llamado arte levantino. Este arte fue realizado en época epipaleolítica (aún con una economía depredadora), es decir en la transición del paleolítico al neolítico, como una evolución (algunos dicen que como decadencia) del arte paleolítico en sus últimas etapas magdalenienses.

La Cueva de la Vieja, ofrece una gran cantidad de pinturas monócromas (en rojo) que representan tanto fauna (zoomorfos) como personas (antropomorfos), configurando escenas donde se relacionan animales con cazadores, armas, etc.

Otra de las manifestaciones que presenta este ítem cultural, está en relación con el llamado arte esquemático, que con una cronología más reciente se sitúa en los primeros momentos del neolítico, esto es, dentro ya de una economía productora agrícola y ganadera. Se trata de figuras de tipo abstracto y simbólico.

Todo ello cataloga esta cueva, en realidad abrigo, como un santuario dedicado a rituales simbólicos, tal vez religiosos, dentro del mundo de las creencias y la espiritualidad de estos primeros pobladores de nuestras tierras.

Sin duda un tesoro a conocer, pero también digno de divulgarse y conservarse adecuadamente, más aun teniendo en cuenta que esta cueva fue declarada en 1924 como Monumento Histórico-Artístico Nacional, y que todo el arte levantino, fue declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad en 1998.

La ”escuela de Londres” (o la resistencia de lo figurativo)

La llamada “escuela de Londres” no era tal. Al menos no existió como tal. Se trató de la conjunción extraordinaria de una serie de artistas de nivel internacional, que confluyeron en el tiempo (a partir de los años 40 del pasado siglo) y en el espacio (Londres y sus alrededores). También poseían una característica que, esta vez sí, les daba una importante homogeneidad en el concepto del arte, todos ellos practican una pintura figurativa, que contrastará frente a las tendencias abstractas que se daban en aquellos mismos años por Estados Unidos y por el resto de Europa, los unos mediante el expresionismo abstracto, los otros mediante el informalismo.
El nombre de “escuela de Londres” se lo dio uno de sus propios “miembros” R.B Kitaj, pero aparte de este artista, también se incluirá a F. Bacon, F. Auerbach, M. Andrews, L. Kossof, L. Freud, etc. Y algunos contemplan una “segunda escuela de Londres”, o una segunda generación de aquella, con artistas como Paula Rego, Bill Jacklin, Celia Paul, Tony Bevan y Stephen Conroy.

Pero salvando estas dos dimensiones, un tiempo y un espacio y, quizás, alguna proximidad en cuanto a la concepción del arte. Lo cierto es que muchos de estos artistas eran solitarios, algunos herméticos en cuanto a su creación. Podríamos encontrar contactos entre algunos de ellos, como la amistad que unió a Bacon y Freud, y alguna influencia entre ellos, pero no es la norma, y no se puede tomar como elemento demostrativo de esa relación entre los supuestos miembros de la “escuela de Londres” (también llamada Pintura del desastre). Nunca realizaron actividades intencionadamente juntos, ni proclamas ni manifiestos que denotaran una voluntad de grupo.
Destacaría de entre estos artistas a R.B. Kitaj, a Francis Bacon, pero sobre todo a Lucien Freud. El nieto de Sigmund Freud, se presenta como un artista capaz, con sus obras, de sacar a flote los demonios que cada espectador lleva dentro. Su tratamiento del cuerpo humano, sin tratar de expresar humanidad, ni dignidad, sólo la presencia del ser humano en su más desgarrada desnudez, sin erótica ni retórica, hace que cada espectador interprete la obra en función de su propia psicología, de su propia concepción del arte y de sus valores culturales. En definitiva, un artista que plantea la figura del hombre más allá de su condición humana. La especie humana con todos sus matices, sus grandezas y, sobre todo, sus miserias.
La obra de Lucien Freud, puede gustar o no gustar, pero dificilmente deja impasible al espectador que la contempla.
.

Pasaje Lodares en Albacete ( o el paradigma de un tiempo ya perdido )

Las galerías comerciales cubiertas, fueron una novedad arquitectónica y urbanística muy en boga en Europa a partir de mediados del siglo XIX. Las grandes capitales europeas diseñaron sus ciudades al cuidado de arquitectos y urbanistas, que trazaron los nuevos ensanches y los nuevos espacios de crecimiento urbano en relación con el desarrollo de la industrialización. Personajes como Haussmann en París, Cerdà en Barcelona o Castro en Madrid, idearán una nueva ciudad más racional y más ordenada.

Es en relación con estos procesos urbanísticos como la construcción de estas galerías va a proliferar por Europa. Así encontramos en Bruselas la considerada galería comercial cubierta más antigua de Europa, la “Galeries de Saint-Hubert” inaugurada en 1847, o la “Galería Vittorio Emanuele II” en Milán, tal vez una de las más monumentales, y construida entre 1865 y 1877.

Pero en España, sólo conservamos dos ejemplos de este tipo de construcciones. Uno se halla en Valladolid, y recibe el nombre de “Pasaje Gutiérrez”,más antiguo que el nuestro albaceteño, pues se construyó en 1885, aunque ha sido restaurado recientemente. El otro es este de Albacete, el “Pasaje Lodares”, situado entre las calles Mayor y del Tinte, en pleno centro de la capital.

Este Pasaje de Lodares es obra del arquitecto valenciano Buenaventura Ferrando Castells, y fue construido en 1925, siendo ya un ejemplo tardío de este tipo de construcciones. Fue dedicado a establecimientos comerciales y viviendas, por encargo de Gabriel Lodares, de quien recibe su nombre.

Por la fecha de su construcción participa de la efervescencia modernista, pero los elementos arquitectónicos y decorativos son muy variados, dándole un aspecto muy ecléctico a todo el conjunto, aunque destacan sus columnas renacentistas, cierto movimiento barroco en la fachada y las alegorías del comercio y la industria. También su cubierta de hierro y cristal, que es propia de todas estas galerías.

Es, sin duda, uno de los rincones más emblemáticos de Albacete, y un sitio de obligada visita para el foráneo que no conozca este lugar. Un espacio de arquitectura e historia que estamos obligados a conservar y fomentar, y al que le urgen, si no las tiene ya, diversas figuras de protección patrimonial que garanticen su supervivencia frente a los nuevos tiempos y a la especulación urbanística.

Dau al Set (o el reinicio de la vanguardia en España)

Tras la espantada que supuso la guerra civil para el arte en España, y aún más para el arte de vanguardia, fue en 1948 cuando surgió un primer intento fructífero de crear un grupo que dinamizase la creación artística y cultural en España, y en este caso, en Cataluña. Este grupo se denominó Dau al Set.

Dau al Set surgió en Barcelona en torno a una revista homónima que planteaba ya desde postulados dadaístas y surrealistas, la necesidad de potenciar el arte y la creación artística en España, y sacarla del letargo pronunciado en el que estaba.
Dau al Set reunió en torno así, una serie de artistas, literatos y pensadores, que supusieron una ruptura con la inercia cultural que se vislumbraba en este país. Artistas como Joan Ponç, A.Tàpies, Modest Cuixart, J.J. Tharrats, el poeta Joan Brossa, Juan Eduardo Cirlot, y el filósofo Arnau Puig. Todos ellos partieron con la propuesta de recobrar el surrealismo perdido con la contienda española.

El grupo estuvo activo hasta 1954, y se fue diluyendo poco a poco por motivos diversos , pero hasta entonces, supieron congeniar también la crítica interna y el reconocimiento exterior. Sus miembros fueron tomando alternativas diferentes y con trayectorias personales irregulares, que los fueron llevando por caminos y estilos diversos, pero que propició, sin duda, el desarrollo de la vanguardia en España.

De todos ellos, tal vez sea Antoni Tàpies el que mayor proyección alcanzó, tanto dentro como fuera del país, y fue él quien allanó el camino para la implantación del informalismo en España, como una forma de experimentar la vanguardia, que se vería reflejado años después en un segundo intento de dar salida al estancamiento del arte español. Este otro grupo fue llamado El Paso.
.

La primera modelo (o la sensualidad ya tiene sus años)

Hace unos días se presentó en sociedad un hallazgo arqueológico muy singular, singular no porque sea algo único e inexistente con anterioridad, sino porque se trata de una pieza que hará cambiar algunas cosas en la concepción que tenemos de nuestro pasado, si no en lo sustancial si en lo particular.

Se trata de una venus paleolítica aparecida en una cueva alemana en el estado de Baden-Württemberg, durante unas excavaciones el pasado año, pero que se nos ha revelado estos días. Tiene el mismo planteamiento de todas estas figurillas, una representación exagerada de los órganos sexuales (pecho y vulva, aunque otras también presentan una nalgas prominentes), así como muy poco interés por el resto del cuerpo, un tamaño escaso (esta sólo alcanza los 6 centímetros en su eje mayor). Pueden ser, como en este caso, una figurilla exenta, pero otras son representaciones parietales en bajo relieve, o están grabadas sobre algún objeto mueble. También los materiales pueden ser variados, piedra, marfil, terracota…

Esta estatuilla que ahora se nos presenta, ha sido tallada en marfil de mamut. Sin tener un nombre acreditado todavía, pero que podría ser llamada la “venus de Hohle Fels”, por el nombre del yacimiento donde fue hallada, tiene algunas características que la hacen un poco especial. Por un lado es la más antigua de las halladas en Europa, si se confirma su edad próxima a los 40.000 años. Y por otro lado, presenta una especie de orificio en su parte superior, lo que unido a su escaso tamaño, se puede considerar una utilidad de colgante.

_______"venus de Willendorf" la más conocida de todas_____

El significado de estas venus no está nada claro, pero esa exageración generalizada de los órganos sexuales femeninos se interpreta por muchos especialistas como un cierto culto a la fecundidad y la fertilidad, y por lo tanto tendría un valor propiciatorio y/o protector, como amuleto. Tal vez sean las primeras diosas a las que se rindiese culto…pero eso ya es otra historia ¿O habría que decir, en este caso, otra prehistoria?
.

Dorothea Lange, mujer y fotógrafa (o la mujer que plasmó el alma de un país)

________________Dorothea Lange en acción______________

No hace mucho tiempo, tuve la grata sorpresa de descubrir una fotógrafa que me resulta muy interesante. Tiene una biografía que, por si sola, ya podría ser guión cinematográfico; intensa y plena, al menos en lo artístico y profesional.

Dorothea Lange, se formó como fotógrafa dentro de la rutina academicista que se seguía en aquellas primeras décadas del siglo XX, dentro de la corriente pictoralista, que trataba de someter la fotografía a los dictámenes de la pintura, y resolver aquella con los postulados técnicos y los recursos de esta. Pero pronto sabrá superar este encorsetamiento, sobre todo cuando decide salir a la calle y hacer del mundo, del paisaje puro, de la realidad social y de la América profunda el objeto que persigue su objetivo.

Tuvo contactos con otros fotógrafos del momento, conoció principalmente a Paul Strand, Imogen Cunningham y Willard Van Dike, por lo que frecuentará al grupo f/64, grupo de fotógrafos que pretendían lograr para la fotografía la consideración de arte por sí misma, con independencia de otras disciplinas.

Su obra principal, tal vez la que le ha dado el gran reconocimiento, se desarrolla en la década de los años 30 del pasado siglo, cuando tuvo el encargo de fotografiar la situación del campo en Estados Unidos, la situación de los inmigrantes aparceros, la situación de las explotaciones agrícolas tras el “crack” del 29, tras la gran depresión que llevó la pobreza y la angustia a esas zonas del gigante americano.

___________________Madre migrante_________________

Su obra tiene un doble valor, artístico y documental, fotográfico y sociológico. Fotografió las minorías, fotografió posteriormente los campos de internamiento de los americanos de origen japonés durante los años 40. Su obra llegó a exhibirse en el MOMA de Nueva York, todo un bautizo y un reconocimiento a una mujer con carácter y con coraje.

.

La Escuela de Vallecas (o la vanguardia deshecha)

Tras su encuentro en la “Exposición de Artistas Ibéricos” en la que ambos participaron en 1925, el pintor Benjamín Palencia y el escultor Alberto Sánchez, inician un proyecto apasionante, reeditar la vanguardia artística que fluía por las grandes capitales europeas, pero bajo el signo del casticismo hispano. Así pues, en 1927 inician un movimiento artístico conocido como la “Escuela de Vallecas”, con la idea de elaborar una vanguardia hispana, que contemplase los postulados artísticos de París (fauvismo, cubismo, surrealismo), pero con una temática propia, tradicional; el paisaje castellano como fuente de inspiración y materia de trabajo.

A este dúo inicial, se les irán uniendo otros artistas del momento, como Juan Manuel Caneja, Maruja Mallo, Luis Castellanos, Luis Felipe Vivanco, Alberti y Lorca, entre otros.

La “Escuela de Vallecas” se desmoronó con el inicio de la guerra civil. Los posteriores y efímeros intentos de Benjamín Palencia por revitalizarla en la posguerra (1942), liderando un grupo de jóvenes artistas, fueron infructuosos. Pese a ello, esta “segunda Escuela de Vallecas” se considera, sin demasiada argumentación como el germen de la posterior “Joven Escuela de Madrid”, que a partir de 1945, continuará con el desarrollo de la vanguardia en nuestro país.