Los niños en la guerra ( o por qué nos empeñamos en seguir llamándonos humanos)

Las imágenes de guerra, de cualquier guerra, siempre buscan la imagen de un niño, la cara de un niño, los ojos de un niño, para darnos a entender todo el drama, todo el dolor. Los niños representan las principales víctimas en toda contienda. Doblemente víctimas, pues por un lado son inocentes a todas luces en el conflicto y por otro lado están indefensos ante esas atrocidades.

Cuando miramos los ojos de un niño en una imagen de guerra, nos damos cuenta de todo lo que somos, de todo lo que podemos llegar a ser, y el ser humano desciende a los infiernos, su consideración se devalúa hasta extremos insospechados.

Podemos ver la guerra en los ojos de un niño, no solamente en sus fotografías, sino en las imágenes que ellos representan. En sus dibujos, vemos el dolor, pero también la esperanza, vemos la tragedia, pero también el cariño, el deseo de un mundo mejor, y en muchas ocasiones deseosos de poder escribir, por fin, la palabra PAZ.


Dejemos que hablen los niños, miremos la obra de los adultos y sintámonos avergonzados. Nunca es tarde para rectificar, nunca es tarde…salvo cuando la mirada de un niño se mancha, turbia, por el llanto y por el dolor, por el abandono, la separación, el exilio...

Luchemos, sí. Luchemos por que los niños no sean nunca más “carne de cañón”, por que no sean las víctimas de guerras que no han provocado, para que todos sepamos preservarlos de ese trance, de esa miseria de los seres humanos.

Para que nunca más veamos en una fotografía de guerra la mirada de un niño.
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25 años ( o seguir queriéndote así casi duele)

Cuentan las crónicas, que un día como hoy, hace 25 años, me casé con la Mujer (permitanme que lo escriba con mayúscula) que es la madre de mis hijos, mi compañera, mi amante y de la que estoy, para bien o para mal, muy enamorado (así, sin rubor ninguno). Enamorado.


¿Quién dijo que es fácil? ¿Lo es la vida, lo es el trabajo y la obligación, lo es la devoción...? Pero todo se simplifica cuando se parte de una verdad universal, el Amor (permitanme la osadía de escribirlo, también, con mayúsculas. Aunque suene muy, muy cursi).

25 años de paz (jejeje), 25 años de amor, 25 años...

A esta mujer habría que hacerle un monumento, porque 25 años junto a mi...no es nada sencillo, nada fácil.

Quien sabe, tal vez, dentro de otros 25 años siga con este blog y pueda volver a informar que sigo igual de enamorado (y digo igual por que, hoy por hoy, más es imposible). Tal vez mañana les cuente otra cosa, pero a fecha de hoy... quiero morirme entre sus brazos.

La capacidad de lo simple (o como decir mucho con tan poco)

Hace unos días, revisando correos electrónicos antiguos (a ver si me decido a borrar alguno), vi un correo en el que se me enviaba este vídeo. En aquel momento lo vi, pero tal vez no le preste atención suficiente. Creo que vale la pena difundirlo, me parece un buen corto, porque al igual que los cuentos, concentran en muy poco espacio-tiempo (sólo dura 3 minutos) mucha información, muchos mensajes.

Prefiero no comentarlo y que se comente él por si mismo, por que en este caso, sobraría todo comentario.

Ojalá que este vídeo sea totalmente ininteligible para los niños de dentro de unos años. Lamentablemente, los niños de hoy en día saben muy bien de que se trata en él.

Siguiendo el hilo de este video, consulte la página de donde proviene, y creo que es un filón de buen trabajo cinematográfico, con un lenguaje visual, simple pero efectivo en cada momento, y con buenos mensajes, muy bien realizado. Por lo tanto, no me resisto a remitir desde aquí mis más fervientes felicitaciones a Marisa Crespo y Moisés Romera y a su apuesta por Proyecta Films.



Este de arriba es otro ejemplo del trabajo de este grupo. Pero si tienes curiosidad y te apetece ver algunos más, puedes hacerlo en su página "sala de proyección".
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La ”escuela de Londres” (o la resistencia de lo figurativo)

La llamada “escuela de Londres” no era tal. Al menos no existió como tal. Se trató de la conjunción extraordinaria de una serie de artistas de nivel internacional, que confluyeron en el tiempo (a partir de los años 40 del pasado siglo) y en el espacio (Londres y sus alrededores). También poseían una característica que, esta vez sí, les daba una importante homogeneidad en el concepto del arte, todos ellos practican una pintura figurativa, que contrastará frente a las tendencias abstractas que se daban en aquellos mismos años por Estados Unidos y por el resto de Europa, los unos mediante el expresionismo abstracto, los otros mediante el informalismo.
El nombre de “escuela de Londres” se lo dio uno de sus propios “miembros” R.B Kitaj, pero aparte de este artista, también se incluirá a F. Bacon, F. Auerbach, M. Andrews, L. Kossof, L. Freud, etc. Y algunos contemplan una “segunda escuela de Londres”, o una segunda generación de aquella, con artistas como Paula Rego, Bill Jacklin, Celia Paul, Tony Bevan y Stephen Conroy.

Pero salvando estas dos dimensiones, un tiempo y un espacio y, quizás, alguna proximidad en cuanto a la concepción del arte. Lo cierto es que muchos de estos artistas eran solitarios, algunos herméticos en cuanto a su creación. Podríamos encontrar contactos entre algunos de ellos, como la amistad que unió a Bacon y Freud, y alguna influencia entre ellos, pero no es la norma, y no se puede tomar como elemento demostrativo de esa relación entre los supuestos miembros de la “escuela de Londres” (también llamada Pintura del desastre). Nunca realizaron actividades intencionadamente juntos, ni proclamas ni manifiestos que denotaran una voluntad de grupo.
Destacaría de entre estos artistas a R.B. Kitaj, a Francis Bacon, pero sobre todo a Lucien Freud. El nieto de Sigmund Freud, se presenta como un artista capaz, con sus obras, de sacar a flote los demonios que cada espectador lleva dentro. Su tratamiento del cuerpo humano, sin tratar de expresar humanidad, ni dignidad, sólo la presencia del ser humano en su más desgarrada desnudez, sin erótica ni retórica, hace que cada espectador interprete la obra en función de su propia psicología, de su propia concepción del arte y de sus valores culturales. En definitiva, un artista que plantea la figura del hombre más allá de su condición humana. La especie humana con todos sus matices, sus grandezas y, sobre todo, sus miserias.
La obra de Lucien Freud, puede gustar o no gustar, pero dificilmente deja impasible al espectador que la contempla.
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Fotos históricas retocadas (o quítate tú pa’ ponerme yo)

En todos los estados totalitarios se ha empleado la propaganda como uno de los elementos imprescindibles para su supervivencia. Tal es así, que en todos ellos, sean del signo que sean, la realidad ha sido adaptada a los fines más nobles y elevados del Estado, más allá de que respondan a la verdad o no. Esto también ha ocurrido con la fotografía histórica, que se ha adaptado a las necesidades de la apologética estatal sin ningún tipo de escrúpulos, aunque para ello tuvieran que quitar de aquí y poner allí.


Como ejemplo próximo tenemos esta fotografía de Franco en Hendaya, en su famoso encuentro con Hitler, en donde un desgraciado parpadeo de ojos, le impidió mostrar al caudillo su mejor imagen “ojo avizor”, y aparecía en la fotografía original con los ojos cerrados. Ningún problema, arreglado.

Pero me llama más la atención, las siguientes fotografías, se trata de soldados rusos en el tejado del Reischtag (parlamento alemán) en Berlín, después de la toma de la ciudad a finales de la II Guerra Mundial. Esta foto fue utilizada por Stalin como propaganda triunfal, pero tenía un problema. En la primera fotografía el oficial soviético que aparece bajo el soldado abanderado presenta un reloj en cada muñeca, signo evidente de que el pillaje no era ajeno a estos soldados, cosa prohibida y poco edificante para el espíritu proletario. Pero nada es irresoluble, se quita el reloj de una de las muñecas (segunda fotografía) y…ya tenemos la foto propagandística perfecta.


_________pincha sobre las imagenes para ampliar________


En las siguientes imágenes, no se han quitado relojes, ni se han abierto ojos, se han quitado personajes históricos directamente. En una de las fotos aparece Lenin con Trotski, cuando Troski cayó en desgracia con Stalin, ¡¡ fuera Trostki !!, “no problem”. La otra fotografía responde al mismo espíritu de eliminar cualquier rastro de un personaje de la historia de un país, aunque para ello haya que eliminarlo de las fotos,a veces también se eliminaban del mundo. Se trata de Mao Tse-Tung (primero por la derecha) en una fotografía donde aparece, en la original, con Po Ku (primero por la izquierda), uno de los líderes iniciales del Partido Comunista Chino, y posteriormente caído también en desgracia.


O sea, que la historia, como siempre, la siguen escribiendo los ganadores, aunque para ello tengan que amoldar la realidad a sus necesidades. Total, en estados totalitarios un retoque de photoshop más o menos no tiene la menor importancia.
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Felicidades, mamá¡¡ (o poema a Doña Inés)

Porque parir es sólo un acto de naturaleza, pero ser madre es un acto de fe.

Porque se puede parir sin amor, pero no cabe lo mismo en ser madre.

Porque te ayudan a parir médicos y comadronas, pero sólo te ayuda a ser madre la pasión y el coraje.

Porque me diste todo lo que de bueno había en ti, y ahora yo lo administro.

Porque siempre hay una luz en tu mirada, y una suave calidez en tu caricia.

Ahora que sólo tu presencia me acompaña…

...FELICIDADES MAMÁ, HOY ES TU CUMPLEAÑOS ¡¡




___Soneto a Doña Inés___

Porque todo es más fácil basándome en tus besos,
y nada se complica ni nada se demora
y en la geometría de tus labios, hora a hora,
mis días son livianos, más limpios, nada espesos.

Y ahora, en tu forzado silencio te acaricio
ese pelo cano y esa mano sanadora
y mis ojos a tus ojos su mirada implora
queriendo regresar a tu origen y a mi inicio

Y persevero en la búsqueda de tu sonrisa
sabiendo lo que pierdo si gana la desgana
el labio que nunca me interroga ya no besa

Perdido el interés por la urgencia y por la prisa
siento tu sereno palpitar en la mañana
buscando el sueño vivo que siempre te embelesa

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Pasaje Lodares en Albacete ( o el paradigma de un tiempo ya perdido )

Las galerías comerciales cubiertas, fueron una novedad arquitectónica y urbanística muy en boga en Europa a partir de mediados del siglo XIX. Las grandes capitales europeas diseñaron sus ciudades al cuidado de arquitectos y urbanistas, que trazaron los nuevos ensanches y los nuevos espacios de crecimiento urbano en relación con el desarrollo de la industrialización. Personajes como Haussmann en París, Cerdà en Barcelona o Castro en Madrid, idearán una nueva ciudad más racional y más ordenada.

Es en relación con estos procesos urbanísticos como la construcción de estas galerías va a proliferar por Europa. Así encontramos en Bruselas la considerada galería comercial cubierta más antigua de Europa, la “Galeries de Saint-Hubert” inaugurada en 1847, o la “Galería Vittorio Emanuele II” en Milán, tal vez una de las más monumentales, y construida entre 1865 y 1877.

Pero en España, sólo conservamos dos ejemplos de este tipo de construcciones. Uno se halla en Valladolid, y recibe el nombre de “Pasaje Gutiérrez”,más antiguo que el nuestro albaceteño, pues se construyó en 1885, aunque ha sido restaurado recientemente. El otro es este de Albacete, el “Pasaje Lodares”, situado entre las calles Mayor y del Tinte, en pleno centro de la capital.

Este Pasaje de Lodares es obra del arquitecto valenciano Buenaventura Ferrando Castells, y fue construido en 1925, siendo ya un ejemplo tardío de este tipo de construcciones. Fue dedicado a establecimientos comerciales y viviendas, por encargo de Gabriel Lodares, de quien recibe su nombre.

Por la fecha de su construcción participa de la efervescencia modernista, pero los elementos arquitectónicos y decorativos son muy variados, dándole un aspecto muy ecléctico a todo el conjunto, aunque destacan sus columnas renacentistas, cierto movimiento barroco en la fachada y las alegorías del comercio y la industria. También su cubierta de hierro y cristal, que es propia de todas estas galerías.

Es, sin duda, uno de los rincones más emblemáticos de Albacete, y un sitio de obligada visita para el foráneo que no conozca este lugar. Un espacio de arquitectura e historia que estamos obligados a conservar y fomentar, y al que le urgen, si no las tiene ya, diversas figuras de protección patrimonial que garanticen su supervivencia frente a los nuevos tiempos y a la especulación urbanística.

Dau al Set (o el reinicio de la vanguardia en España)

Tras la espantada que supuso la guerra civil para el arte en España, y aún más para el arte de vanguardia, fue en 1948 cuando surgió un primer intento fructífero de crear un grupo que dinamizase la creación artística y cultural en España, y en este caso, en Cataluña. Este grupo se denominó Dau al Set.

Dau al Set surgió en Barcelona en torno a una revista homónima que planteaba ya desde postulados dadaístas y surrealistas, la necesidad de potenciar el arte y la creación artística en España, y sacarla del letargo pronunciado en el que estaba.
Dau al Set reunió en torno así, una serie de artistas, literatos y pensadores, que supusieron una ruptura con la inercia cultural que se vislumbraba en este país. Artistas como Joan Ponç, A.Tàpies, Modest Cuixart, J.J. Tharrats, el poeta Joan Brossa, Juan Eduardo Cirlot, y el filósofo Arnau Puig. Todos ellos partieron con la propuesta de recobrar el surrealismo perdido con la contienda española.

El grupo estuvo activo hasta 1954, y se fue diluyendo poco a poco por motivos diversos , pero hasta entonces, supieron congeniar también la crítica interna y el reconocimiento exterior. Sus miembros fueron tomando alternativas diferentes y con trayectorias personales irregulares, que los fueron llevando por caminos y estilos diversos, pero que propició, sin duda, el desarrollo de la vanguardia en España.

De todos ellos, tal vez sea Antoni Tàpies el que mayor proyección alcanzó, tanto dentro como fuera del país, y fue él quien allanó el camino para la implantación del informalismo en España, como una forma de experimentar la vanguardia, que se vería reflejado años después en un segundo intento de dar salida al estancamiento del arte español. Este otro grupo fue llamado El Paso.
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Cuando el genio y la maestría se funden (o cómo visitar el cielo sin salir de casa)

Dicen que lo mejor que hicieron los españoles en Cuba tras su colonización, fueron los mulatos. Esto es así porque la fusión siempre es enriquecedora, siempre es creativa y aporta nuevos aires. Esto mismo debe de ocurrir con la música, pues de la fusión de unos dedos maravillosos deslizándose por el teclado del piano y otros dedos, no menos maravillosos, pulsando y rasgando las cuerdas de una guitarra, nos llega la música genial de estos dos artistas.



Michel Camilo es natural de la República Dominicana, y se desenvuelve espectacularmente con el piano por todos los registros posibles, desde lo clásico a lo jazzístico. Tomatito, natural de Almería, proviene de una familia gitana con larga tradición flamenca. Entre ambos, han fusionado sus genios y han dado a luz dos discos esplendidos.

“Spain” de 2000 y “Spain again” de 2006, son dos joyas musicales que todo buen aficionado al jazz debería escuchar, pero también todo aficionado a la buena música, pues se hermana el flamenco con el jazz latino, una música viva y vibrante que se conjuga en un idilio caótico y maravilloso. Surge de esa unión un nuevo estilo indefinible pero inolvidable.Piano y guitarra, guitarra y piano, una catarsis musical inaprehensible sólo para el oído, que necesariamente ha de llegar al corazón para entenderla.

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Si me tuviera que decantar por alguno de los dos discos, me quedaría con el primero, pero siempre sería una cuestión de gusto personal, el primero lo encuentro mucho más “fusión” entre jazz y flamenco, el segundo esta más trabajado, más pulido musicalmente.

Desde que descubrí el disco “Spain” de estos dos artistas, es rara la semana que no lo escuche alguna vez, y es raro que, siendo como soy, poco mitómano y poco rutinario para estas cosas, escuche un mismo disco tan a menudo. Deduzco, tal vez, que me gusta mucho. ¡¡ Tal vez!!
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Señor Cañizares (o con la iglesia hemos topado, amigo Sancho)

Cuando el señor Cañizares dice que es faltar al espíritu democrático el dotar al país de una ley del aborto que garantice este derecho para la mayoría o totalidad de las mujeres, está obviando que tanto el señor Zapatero como su gobierno, cuentan con la cantidad de votos suficiente por parte de los españoles para poder legislar en ese sentido. Mi pregunta es: ¿Cuántos fieles de la iglesia católica votaron al señor Cañizares como su representante? Porque hasta donde yo sé, los fieles de la iglesia católica no eligen a sus dirigentes, sino que les son impuestos desde arriba, en una sucesión endogámica, en la que unos se eligen a los otros para después ser elegidos a su vez. ¡¡Muy democráticamente!!

Al margen de esto, quisiera saber quién es el señor Cañizares para poner en tela de juicio lo que es delito y lo que no, saltándose un Código Penal que nos incluye a todos. Poner un delito aberrante como la pederastia como algo inocuo frente a un derecho legalmente constituido en nuestro país como es el aborto, me parece una provocación y una falta de consideración y respeto a nuestro estado de derecho, a nuestra Constitución y, por ende a todos nosotros.

Dirigiéndome al señor Cañizares le diría que fui bautizado, comulgado y confirmado dentro de la ¿santa? ¿madre? ¿Iglesia? que usted representa (ya vimos más arriba con qué cantidad de votos), pero tras toda esta actuación estoy planteándome, muy seriamente, mi apostasía, pues si bien es verdad que no soy creyente ni practicante, siempre he sido muy respetuoso con todas las creencias, pero siempre que se mantengan en el plano de lo religioso y de lo espiritual. Cuando se entra de lleno en la política, entonces pierde su carácter religioso y se convierte en un mero partido político inmerso en el circo de la vulgaridad y el desatino en el que nos encontramos. Por ello, me planteo, cada vez más seriamente, iniciar mi proceso de apostasía, pues no deseo que mi nombre figure, de ninguna de las maneras, asociado al de ese “partido radical ultraderechista y falto de democracia interna” que usted representa.

Como diría Don Quijote…”con la iglesia hemos topado, amigo Sancho…”
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La miseria de los dioses (o cuando las palomas afilan sus garras)

Cuando la lucha por el poder, cuando el ansia de llegar, de ascender, de triunfar llega a la poesía, esta pierde totalmente su carácter poético y se convierte en pura carne de mercado, se somete a los dictámenes de la sucia brega política,aunque sea política universitaria. Y aquí entran en juego otros muchos parámetros, otros muchos valores y contravalores.


Hace unos días se produjo la dimisión de la poetisa inglesa Ruth Padel, la primera mujer que alcanzó la cátedra de poesía en la británica Universidad de Oxford, por su participación en la trama de desprestigio contra su contendiente por la plaza, el también poeta y premio Nobel Derek Walcott.

Parece ser, visto lo visto, que la lucha por el poder, por el prestigio no tiene excusas, no tiene lugares vedados; también el parnaso de los elegidos es escenario de estas luchas mundanas. La etérea magia que se le supone a una poetisa, a un poeta, a un creador de malabares lingüísticos que es capaz de sugerirnos mil sensaciones con la palabra, queda muerto, defenestrado por estas acciones viles que los acercan al mundo de los más míseros y procaces mortales.

Todo esto sin entrar a juzgar la veracidad de lo denunciado, ni la idoneidad para el puesto del uno ni de la otra, simplemente me dejo impresionar negativamente por el hecho de emplear la táctica del desprestigio, de alimentar una inquina ya trasnochada para obtener el prestigio académico de una plaza a la cátedra de poesía en una de las más prestigiosas universidades del mundo.

Esperemos que la poesía no se intoxique con estas luchas miserables y siga dándonos a todos ese ápice de cuerda locura que necesitamos para alimentar el espíritu.
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La Cenicienta rediviva (o aprendiendo a ser felices)

Buscando en internet (!! todo lo que existe está en internet, dios no está en internet, luego dios no existe ¡¡) información sobre aspectos de igualdad de género, educación no sexista, igualdad de oportunidades …, me he tropezado con un documento muy interesante. Se trata de un cuento, no exclusivamente para niños, que trata el tema de la mujer desde una óptica desenfadada pero certera en su mirada, humorística pero seria en el planteamiento, imaginativa pero realista en la concepción de la historia que nos narra.

Creo que es un cuento que debe ser disfrutado porque además del tema y la moraleja, está muy bien concebido y trabajado de manera excelente, tanto en el texto como en la ilustración.

El cuento lleva por título: "La Cenicienta que no quería comer perdices”, y las autoras son Myriam Cameros Sierra, como ilustradora, y Nunila López Salamero como autora del texto. Ambas han derrochado una gran maestría en la concepción y la realización de la obra, que se lee casi con el mismo interés didáctico como artístico y literario. Un cuento clásico reinventado por estas dos creadoras, que ya ha recibido varios premios, siendo, sin duda el más valioso el del lector ávido que le otorga su reconocimiento y su agradecimiento.


Son muchas webs, muchos blogs los que se han hecho eco de esta obra, y son muchos educadores los que lo utilizan para trabajar temas de género, diversidad, prejuicios, toma de decisiones, autoestima... y otros valores, siempre de una manera diferente y gratificante.

Quiero colaborar a la difusión de esta obra desde este pequeño escaparate personal que es mi blog, espero que les guste…¡¡disfrútenlo!!
___________________________________LEER EL CUENTO

Lo bueno de un poeta es que siempre está‏ (Amanis)

Hace un momento, he recibido un correo con un pequeño texto. El correo es una muestra más de amor hacia el poeta y de afecto hacia la persona que lo albergó. Además es una denuncia contra la hipocresia de los que abanderan todas las ideologías desde sus poltronas, desde sus míseras atalayas, oteando el horizonte en busca de triunfos ajenos, para colgarse las medallas y saciar sus deseos de medrar.
Pero mejor que yo, dejo aquí esas palabras recibidas, las cuelgo del blog sin tener el permiso de la persona que me las envió, pero confio ser merecedor de ese permiso. Gracias Amanis, por ayudarme a abrir los ojos y por ayudarme a ser mejor.



" Que suerte compañero Mario que ya no los escuchas.
Ahora aparecen por doquier glosándote, nos chirrían sus voces, nombrándote sin nombrar tú compromiso..... evadiéndote.
Aparecen expresando tonterías, vulgares lugares comunes, obligados.
Aparecen los buenos "progresistas" del Sistema, esos del Modelo perverso, al que nombran suprimiendo el adjetivo maldito que los identifica. "Esos" que dicen nada cuando te nombran ahora que ya no estás, "esos" que son denunciados por los pueblos que estrenan Conciencia y Compromiso Político de Izquierdas. Los pueblos que, en ese Continente del Sur de América donde nacistes y te encontrastes con la muerte, son un ejemplo vivo para el mundo, una esperanza para la Justicia y la Democracia.
Que suerte que a "esos" ya no los oyes voceando y no diciendo nada, justificándose en sus Medios de propaganda para seguir viviendo de las rentas de lo que nunca fueron.

Que suerte haberte tenido con nosotros, que honor y privilegio poder leerte para siempre....y hacer camino contigo, y dejarte a nuestros hijos.
Seguimos como si estuvieras todavía , escuchamos tú voz, y te queremos,
hermano Mario Benedetti."
_____________________________Amanis_____________
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!! Adios, maestro ¡¡ (o canto a la ausencia)

Adios, maestro, cuídese mucho allá donde esté.
Y no se me despiste, que aquí seguimos pensando mucho en vos.





___Hagamos un trato___

Compañera,
usted sabe
que puede contar conmigo,
no hasta dos o hasta diez
sino contar conmigo.

Si alguna vez advierte
que la miro a los ojos,
y una veta de amor
reconoce en los míos
no alerte sus fusiles
ni piense que deliro;
a pesar de esa veta
de amor desprevenido
usted sabe que puede
contar conmigo.

Si otras veces
me encuentra
huraño sin motivo,
no piense que es flojera
igual puede contar conmigo.

Pero hagamos un trato:
yo quisiera contar con usted,
es tan lindo
saber que usted existe,
uno se siente vivo;
y cuando digo esto
quiero decir contar
aunque sea hasta dos,
aunque sea hasta cinco.

No ya para que acuda,
presurosa en mi auxilio,
sino para saber
a ciencia cierta
que usted sabe que puede
contar conmigo

__________________________más poemas de Benedetti
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La primera modelo (o la sensualidad ya tiene sus años)

Hace unos días se presentó en sociedad un hallazgo arqueológico muy singular, singular no porque sea algo único e inexistente con anterioridad, sino porque se trata de una pieza que hará cambiar algunas cosas en la concepción que tenemos de nuestro pasado, si no en lo sustancial si en lo particular.

Se trata de una venus paleolítica aparecida en una cueva alemana en el estado de Baden-Württemberg, durante unas excavaciones el pasado año, pero que se nos ha revelado estos días. Tiene el mismo planteamiento de todas estas figurillas, una representación exagerada de los órganos sexuales (pecho y vulva, aunque otras también presentan una nalgas prominentes), así como muy poco interés por el resto del cuerpo, un tamaño escaso (esta sólo alcanza los 6 centímetros en su eje mayor). Pueden ser, como en este caso, una figurilla exenta, pero otras son representaciones parietales en bajo relieve, o están grabadas sobre algún objeto mueble. También los materiales pueden ser variados, piedra, marfil, terracota…

Esta estatuilla que ahora se nos presenta, ha sido tallada en marfil de mamut. Sin tener un nombre acreditado todavía, pero que podría ser llamada la “venus de Hohle Fels”, por el nombre del yacimiento donde fue hallada, tiene algunas características que la hacen un poco especial. Por un lado es la más antigua de las halladas en Europa, si se confirma su edad próxima a los 40.000 años. Y por otro lado, presenta una especie de orificio en su parte superior, lo que unido a su escaso tamaño, se puede considerar una utilidad de colgante.

_______"venus de Willendorf" la más conocida de todas_____

El significado de estas venus no está nada claro, pero esa exageración generalizada de los órganos sexuales femeninos se interpreta por muchos especialistas como un cierto culto a la fecundidad y la fertilidad, y por lo tanto tendría un valor propiciatorio y/o protector, como amuleto. Tal vez sean las primeras diosas a las que se rindiese culto…pero eso ya es otra historia ¿O habría que decir, en este caso, otra prehistoria?
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Dorothea Lange, mujer y fotógrafa (o la mujer que plasmó el alma de un país)

________________Dorothea Lange en acción______________

No hace mucho tiempo, tuve la grata sorpresa de descubrir una fotógrafa que me resulta muy interesante. Tiene una biografía que, por si sola, ya podría ser guión cinematográfico; intensa y plena, al menos en lo artístico y profesional.

Dorothea Lange, se formó como fotógrafa dentro de la rutina academicista que se seguía en aquellas primeras décadas del siglo XX, dentro de la corriente pictoralista, que trataba de someter la fotografía a los dictámenes de la pintura, y resolver aquella con los postulados técnicos y los recursos de esta. Pero pronto sabrá superar este encorsetamiento, sobre todo cuando decide salir a la calle y hacer del mundo, del paisaje puro, de la realidad social y de la América profunda el objeto que persigue su objetivo.

Tuvo contactos con otros fotógrafos del momento, conoció principalmente a Paul Strand, Imogen Cunningham y Willard Van Dike, por lo que frecuentará al grupo f/64, grupo de fotógrafos que pretendían lograr para la fotografía la consideración de arte por sí misma, con independencia de otras disciplinas.

Su obra principal, tal vez la que le ha dado el gran reconocimiento, se desarrolla en la década de los años 30 del pasado siglo, cuando tuvo el encargo de fotografiar la situación del campo en Estados Unidos, la situación de los inmigrantes aparceros, la situación de las explotaciones agrícolas tras el “crack” del 29, tras la gran depresión que llevó la pobreza y la angustia a esas zonas del gigante americano.

___________________Madre migrante_________________

Su obra tiene un doble valor, artístico y documental, fotográfico y sociológico. Fotografió las minorías, fotografió posteriormente los campos de internamiento de los americanos de origen japonés durante los años 40. Su obra llegó a exhibirse en el MOMA de Nueva York, todo un bautizo y un reconocimiento a una mujer con carácter y con coraje.

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Dos posturas, un mismo sueño (o el sufragismo femenino fue cosa de dos)

Uno de los más apasionados e interesantes debates que se produjeron en las Cortes españolas durante la Segunda República lo llevaron a cabo dos mujeres excepcionales: Clara Campoamor y Victoria Kent. Ambas poseían el mismo sueño, lograr la emancipación política de la mujer en España, conseguir el voto femenino. Pero ambas tenían una concepción diferente del momento histórico y de la idoneidad de ese logro.

Clara Campoamor, representaba al Partido Radical, y propugnó la concesión del voto para la mujer de inmediato, sin demora y en igualdad de condiciones que el hombre.Pensaba que igual que había mujeres sin preparación y sin formación, también había hombres así, y a ellos no se les negaba ese derecho.





Victoria Kent, como diputada del Partido Radical Socialista, se oponía a la concesión inmediata del voto para la mujer, al considerar que, previamente, esta debía estar emancipada y formada, para ejercer su derecho con capacidad y libertad. Pensaba que la mujer todavía estaba muy sometida a la obediencia al marido y al confesor.


Tras una serie de debates cargados de cierta vehemencia, pero de mucha tenacidad, el día 1 de octubre de 1931, las Cortes españolas votan a favor del artículo 36 que concede el derecho al voto para la mujer.

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Janis Joplin, el juguete roto de los dioses (o la soledad del héroe supera la de la heroína)

Janis Joplin fue uno de los vértices más feraces en mi concepción adolescente del mundo. Leer a Bukowski, a Robert Crumb y su Mr. Natural, y escuchar a Janis Joplin era poner mi alma en manos del demonio (ufff¡¡¡, ya salió el alma otra vez). El demonio de la rebeldía de pensamiento, el demonio de la sublevación de los principios adquiridos y heredados. Era mirar al mundo con otros ojos, ver el mundo con otra luz. No la luz sicodélica de los 70, que es la luz que más le iba a ese entorno, si no la luz que más alumbra, la luz de la libertad de conciencia, de la independencia de opinión.



Janis Joplin me trajo de nuevo el espíritu de los últimos hippies, la bocanada de libertad efímera y de insumisión de los jóvenes del 68 (parisinos y universales), aquellos que sólo conocía por referencias literarias e históricas fueron apareciendo ante mi guiados por esa voz poderosa, esa voz rota y aguardentosa de Janis Joplin, pero a la vez tan generosa en estímulos y sensaciones. Esa voz, con todos sus matices, me supo llenar tardes de melancólico recogimiento y noches de buscada soledad.

Cuando la conocí, no sabía de sus éxitos en el festival de Monterrey en 1967, ni de su consagración en el festival de Woodstock, en el verano de 1969, ni siquiera sabía de su prematura muerte por sobredosis en 1970, todo eso lo supe después. Yo sólo sabía que me gustaba su música y que me apasionaba su voz, sobre todo su voz, siempre su voz. Esa voz negra que lucía esa mujer blanca…pero los dioses no tienen raza, sólo emanan genialidad.



Janis Joplin, Robert Crumb y Charles Bukowski, fueron la triada de la contracultura, inteligente y capaz, que supo enaltecer mis sentidos, llenar mi cabeza de elucubraciones perniciosas para lo “políticamente correcto” y, sobre todo, darme pie para la rebeldía y la independencia de pensamiento. Me mostraron el camino, y de bien nacidos es el ser agradecidos.

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Bukowski, el escritor maldito (o como no decaer en la decadencia)

Charles Bukowski, es un escritor incatalogable, a medio camino entre la generación beat de Kerouac y Burroughs y la nunca justa etiqueta de “escritor maldito”. Se me asemeja más a Henry Miller en sus “trópicos” (más Trópico de Cáncer que de Capricornio, pero eso va en los gustos de cada cual). Tal vez, tanto los escritores beat, como Bukowski, sean herederos de Miller. Pero no debe buscarse paralelismos con nadie, Bukowski es en sí, único e irrepetible, pero eso siempre se dice.



Mi encuentro con Bukowski acaeció siendo yo bastante joven, andaría por 16 o 17 años, y fue un tropiezo contemporáneo al que tuve también con Robert Crumb, por lo tanto, me sumergí de lleno en la más ácida crítica de la decadencia y de la doble moral burguesa americana (y me refiero a la América del norte, “of course”), de lleno en el underground más combativo. Al menos así me lo parecía a mí.
Obras como “Factotum”, “Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones”, “La máquina de follar” o “Escritos de un viejo indecente”, llenaron mi cabeza de imágenes corrosivas pero muy sugerentes, cargadas de un erotismo descarnado, duro, de un realismo brutal y abofeteador, que hace abrir los ojos y sacudir el alma (ufff¡¡¡, ya salió el alma).
Por último, reconocer que no conocía al Bukowski poeta, y ha sido para mi todo un descubrimiento, grato aunque tardío, pero nunca suficientemente tardío para privarme de esa parte de su obra. Espero todavía encontrarme con una buena traducción de su obra poética para seguir encandilándome, aprovechando mis últimos coletazos adolescentes, con este hombre borracho, mujeriego e iconoclasta, que definió a dios como "una puta negra de 120 kilos". La imagen de dios como mujer, puta, negra y, encima gorda, no debe ser soportable para muchos americanos (del norte). Pero eso ya es otra historia...

Entre el “glamour” y la lujuria (o la mujer que no existió)

Tamara de Lempicka es uno de esos grandes artistas desconocidos. Creada por sí misma, fue víctima de su propia mentira. Mentira sobre su vida, mentira sobre su obra, mentira sobre su verdadera pasión.

Polaca nacida en los últimos años del siglo XIX, supo aprovechar su belleza y su condición de mujer, su bisexualidad y su “aristócrata educación” para obtener siempre beneficio. Fue un mito que se fue convirtiendo en leyenda, o una leyenda surgida del propio mito que ella creó, fomentó y elevó a su máxima expresión. Amo a cuantos hombres y mujeres quiso, tanto en los más ebúrneos palacios como en los más decrépitos antros. Sin embargo, fue su obra la que convirtió a esta artista, probablemente, en la más clara representación del “Art decó”, tanto en su etapa parisina, como en su etapa estadounidense. La nobleza decadente y la diletante burguesía advenediza competían para ser retratados por ella.

La decadencia de este movimiento, que se desarrolló en la época de entreguerras, coincidió con la austeridad impuesta en el mundo tras la II guerra mundial, y con esa decadencia vino también la de Tamara de Lempicka, que de ser la retratista oficial del glamour y de la “very important people” del momento, se refugió en México tras unas aproximaciones sin éxito a la abstracción y al surrealismo.


La obra de Tamara de Lempicka, siempre alejada de la realidad social, y encerrada dentro de la urbe y la vida “palaciega” y nobiliaria, no carece de expresividad en los retratos, de marcada sensualidad, de alejamiento etéreo de los personajes. A medio camino entre el manierismo de Bronzino y el cubismo de André Lothe, sus miradas lánguidas, sus poses abandonadas a la molicie y la vida desahogada, nos traen el deseo del triunfo social, de la vorágine y el desenfreno de esa vida “plena” de los felices años 20. Pero también nos hace ver que ciega y vacía estaba su pintura de realidad social, de compromiso, de sentimiento por la función y el objeto de la pintura. La pintura nunca fue el objetivo, sino el medio, el camino para conseguir su propósito: la escalada y el éxito social, el reconocimiento y una vida desahogada que le permitiera disfrutar a tope de sus excesos y sus caprichos.

Y sin embargo, me encanta esta pintora. Ella y su obra.

Pescar gueldes en el Teide (o la exaltación de lo banal)

Acabo de leer la noticia. El próximo día 30 de mayo, Día de Canarias, la celebración magistral y original que nos tiene preparada el señor Zerolo (entre otros), es una competición de murgas. Se celebrará, Dios mediante, en el nuevo estadio de atletismo de Tíncer, con capacidad para 20.000 personas.
Qué sí, qué sí¡¡ Qué los carnavales no tienen por qué durar una semana, eso es para "puristas" y descastados. Tenerife no es otra cosa que un puro carnaval. La murga municipal, con su director artístico Sr. Zerolo, nos deleitará con ese magno espectáculo, muy oportuno para celebrar el día autonómico. Porque qué otra cosa es esta isla sino puro carnaval, y pura murga un día sí y otro también.

Esa debe ser, visto lo visto, nuestra identidad canaria, el reflejo de nuestras tradiciones vertidas y mostradas el día en que nuestra comunidad se viste de gala para hacer una demostración de lo qué es y a dónde quiere ir. El señor Zerolo debe conocer muy bien la máxima latina que nos legó Juvenal, a caballo entre los siglos I y II de nuestra era; ¡¡ Panem et circenses!! Pan y circo para contentar a un pueblo que navega sin rumbo entre aguas turbulentas.

A mí no me extraña nada, ya me parece casi normal, aprovechar el veranito con el disfraz puesto, luego una sesión de murgas en agosto (o un pleno municipal, que para el caso es lo mismo) y finalmente una de salpicón de pulpo y una cervecita en cualquier chiringuito de Las Teresitas. ¡¡Total, quien da más¡¡.

El Día de Canarias, todos a Tíncer, a aplaudir a las murgas participantes en ese acto pleno de canariedad y tradición, fiel reflejo de nuestra identidad y de nuestra idiosincrasia canaria.

¡¡Tenemos lo que nos merecemos¡¡ Amén.
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La Escuela de Vallecas (o la vanguardia deshecha)

Tras su encuentro en la “Exposición de Artistas Ibéricos” en la que ambos participaron en 1925, el pintor Benjamín Palencia y el escultor Alberto Sánchez, inician un proyecto apasionante, reeditar la vanguardia artística que fluía por las grandes capitales europeas, pero bajo el signo del casticismo hispano. Así pues, en 1927 inician un movimiento artístico conocido como la “Escuela de Vallecas”, con la idea de elaborar una vanguardia hispana, que contemplase los postulados artísticos de París (fauvismo, cubismo, surrealismo), pero con una temática propia, tradicional; el paisaje castellano como fuente de inspiración y materia de trabajo.

A este dúo inicial, se les irán uniendo otros artistas del momento, como Juan Manuel Caneja, Maruja Mallo, Luis Castellanos, Luis Felipe Vivanco, Alberti y Lorca, entre otros.

La “Escuela de Vallecas” se desmoronó con el inicio de la guerra civil. Los posteriores y efímeros intentos de Benjamín Palencia por revitalizarla en la posguerra (1942), liderando un grupo de jóvenes artistas, fueron infructuosos. Pese a ello, esta “segunda Escuela de Vallecas” se considera, sin demasiada argumentación como el germen de la posterior “Joven Escuela de Madrid”, que a partir de 1945, continuará con el desarrollo de la vanguardia en nuestro país.

Experiencia vs Inocencia (o ¿dónde está la sabiduría?)

Seamos humildes, aprendamos de quienes más saben. Aprendamos de aquellos que saben ver lo esencial detrás de lo banal. Aprendamos a mirar el mundo con los ojos de un niño.

En la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro, en 1992, una niña canadiense de 13 años, Severn Suzuki, supo ganarse la atención de los participantes en esa cumbre, con un discurso directo al corazón, directo a la conciencia.

Aprendamos a ser humildes, aprendamos de quienes más saben, o volvamos a ser todos niños, y reinventemos el mundo...pero para mejor¡¡ ver video

HERENCIA OBRERA (o cuando se agitan las poltronas)

Nadie pone en duda, a estas alturas, que los trabajadores no son los responsables de esta crisis, maldita crisis. Sin embargo, parece ser que se quiere hacer recaer sobre ellos esa responsabilidad, se busca la solución tratando de recortar, una vez más, sus derechos. La patronal (CEOE) ve como “única” salida a la crisis y al paro, el abaratar el despido. La crisis que otros, más poderosos, con más recursos, han provocado, no puede ahora hacer recaer sus consecuencias y sus urgencias, sobre la clase trabajadora.

Los derechos de los trabajadores, no han sido un regalo de los dioses, nadie se los ha concedido graciosamente. Detrás de cada uno de esos derechos de los trabajadores, hay mucha lucha, mucho dolor, mucha cárcel, mucha sangre. Han sido conquistados por la clase trabajadora, palmo a palmo, y por lo tanto, nosotros sólo somos herederos de esos derechos, herederos usufructuarios, no podemos ni debemos vender ni regalar un sólo palmo de esos derechos, porque sería traicionar a tantos otros que antes que nosotros lucharon, a veces demasiado, por conseguirlos para la clase trabajadora.

Señores del gobierno, señores de la CEOE, ¿abaratar el despido?. Ni locos, ni “jartos” de vino.