Una semana en Nueva York (IV) (o El símbolo de un imperio)

Desde el 11 de septiembre de 2001, el Empire State Building volvió a ser el edificio más alto de Nueva York, pero esto casi todo el mundo lo sabe, y hasta no hace muchos años fue el edificio más alto del mundo. Subir para ver la ciudad desde los pisos más altos es querer abarcar con la mirada una ciudad inabarcable.

Es una de las visitas obligadas para el visitante, y sus ascensores meteóricos ayudan en esa aventura. Pero, pese a esa velocidad de ascenso, nadie lo consigue en menos de una hora, largas filas de visitantes obligan a una larga espera, pensando que el final tendrá su recompensa.

El Empire State nos permite ver la ciudad a vista de pájaro, y la visión de esa ciudad desde las alturas, nos descubre una urbe que crece más allá de la isla saturada de cemento, de rascacielos minúsculos llenos de luz, donde las personas están, pero carecen de sentido desde esa distancia. El Empire State no está hecho a la medida del hombre, sino a la medida de los dioses paganos del imperio, como símbolo del “new deal” rooseveltiano. En pleno desarrollo de la Gran Depresión, los neoyorquinos trataron de tocar el cielo ascendiendo desde los infiernos.

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Hoy en día, el que fuera edificio más alto del mundo, es un lugar de culto trasnochado para los visitantes de Nueva York, ávidos de iconos y símbolos del poder, la cultura y la apariencia, meramente formal, del imperio yanqui decadente (algo así como el Coliseo para el imperio romano, o las pirámides para los egipcios). Pero, eso sí, que nadie se pierda su visita.

Una semana en Nueva York (III) (o Verde como la albahaca)

Central Park no es sólo un parque. Es una isla dentro de la isla. Es una isla de naturaleza fingida, aunque tan natural que parece de verdad.

Caminar por Central Park es pasear por el corazón de una ciudad que se gusta a sí misma, que se quiere a sí misma, y que más allá de sus orígenes portuarios, quiso crear entorno a este espacio el núcleo articulador de una urbe para vivir, con mejor o peor resultado, pero que dota a Nueva York de un diamante en bruto que la singulariza y la define.

Desde que a mediados del siglo XIX F. Law Olmsted y Calvert Vaux incorporaron a su imaginario urbanístico la creación de un gran parque público, Central Park ha ido creciendo, no en extensión, pero si en capacidad recreativa, cultural y deportiva, y los neoyorquinos saben apreciar y explotar este espacio y sus virtudes, y por ende, muestran todo su respeto por su conservación y mantenimiento.

Central Park con sus rincones románticos, con sus instalaciones deportivas, con sus espacios lúdicos y culturales es un paréntesis de sosiego y de introspección que nos reconcilia con la acelerada y bulliciosa ciudad que lo rodea, y que no siempre se muestra todo lo acogedora que de ella se espera para el ciudadano y para el que la visita.

Una semana en Nueva York (II) (o Libertad es nombre de mujer)

La estatua de la Libertad es imponente desde la distancia, desde Battery Park se recorta recia sobre el horizonte y nos trae la nostálgica visión de los sueños de muchos para los cuales América fue, no el final, sino el inicio de un viaje iniciático hacia la libertad, el bienestar y, en ocasiones, la opulencia. Y para ellos “Miss Liberty” era la primera imagen de ese viaje, una vez concluido el viaje real.

Pero de cerca, sin dejar de impresionar, se ve más pequeña de lo que nos imaginamos desde lejos. Y, pese a ser una creación francesa, parece pensada para estos americanos de Nueva York. Si la estatua hubiese sido pensada para los italianos tendría fuego apasionado y retador en la mirada. Esta tiene un rostro bello y apacible pero serio y distante. Si la estatua hubiese sido pensada para los franceses tendría cierta voluptuosidad en sus formas, lo cortés no quita lo valiente, y la técnica de “paños mojados” nos descubriría la silueta de un cuerpo femenino rotundo pero sensual. “Miss Liberty” lleva una túnica talar que representa la verdadera mentalidad puritana de los estadounidenses. Si la estatua hubiese sido pensada para los españoles, aparecería con todos los atributos pensados para franceses e italianos, pero además tendría una sonrisa en los labios y un tamaño idóneo para colocarla en una plaza pública concurrida, donde el pueblo pudiese verla a diario.

Pero en los Estados Unidos de Norteamérica, lo pequeño está prohibido, todo ha de ser a lo grande porque creen ciegamente que todo lo que se puede hacer con dinero es posible. Por eso la estatua de la Libertad es grande, es seria, un poco inexpresiva, es recatada… Pero también es incansable, y con su antorcha tratando de abarcar el mundo lleva la esperanza y la ilusión por un futuro mejor, justo y solidario para todos los que la miramos emocionados desde la borda a estribor del ferry que nos lleva a ella.

Una semana en Nueva York (I) (o Dónde los sueños tienen precio)

La Quinta avenida es la arteria por donde circulan los sueños de Nueva York, los sueños del mundo. La Quinta avenida tiene un espacio reservado para los sueños de eternidad, de perpetuidad, donde se muestra la riqueza cultural de la ciudad. La “museum mille” con el Metropolitan a la cabeza, es uno de los palmos de terreno con más museos del mundo, si no el que más.

La ciudad Nueva York, y el país de Estados Unidos puede enorgullecerse de sus museos y en especial del Metropolitan, que junto con el Moma (museum of modern art), es la gran joya de la corona. Pero son otros muchos museos los que se adhieren a esta avenida, tratando de oxigenar y oxigenarse con la sangre de riqueza y grandiosidad que cursa por ella.

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Pero la quinta avenida es también la arteria principal donde se acrisola toda la vanidad del mundo, toda la arrogancia, todo el deseo vano de ser alguien, de sentirse importante. Cartier, Bulgari, Omega, Prada, Tiffany…, la cueva de Alí Babá, con sus mil maravillas se abre en pequeños y grandes escaparates, para que los ungidos por el triunfo puedan satisfacer sus grandes pecados de aparentar, de creerse a sí mismos, de despilfarrar sus tesoros acumulados…quién sabe a costa de quien.

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Pero el templo del consumismo, donde el dólar es “My Lord” y, tal vez, Versace su profeta, también es el templo de los contrastes, donde desheredados y turistas de todos los colores y procedencias, algunos con los ojos pueblerinos de la admiración y otros con los de la envidia, pasean también otros sueños… pero ya se sabe, soñar no cuesta dinero.

Las hermanas Mirabal (o el Día Internacional de la No Violencia contra la Mujer)

Al inicio de los años 30 del pasado siglo, se instauró en República Dominicana una de las dictaduras más sangrientas y férreas. Rafael Leónidas Trujillo, no sólo aprovechó su gobierno en beneficio propio, sino que asesinó a miles de haitianos humildes y dominicanos opositores. Trujillo accedió al poder en unas fraudulentas elecciones en 1930, y ya no lo soltó hasta que fue asesinado en 1961.

Entre los muchos crímenes que mandó a realizar se encuentran los de las hermanas Mirabal. Patria, Minerva y María Teresa Mirabal, eran tres hermanas que por su lucha opositora a Trujillo y su régimen, fueron detenidas junto al chófer que las llevaba a su domicilio desde Puerto Plata, y asesinadas simulando un accidente (forma usual de encubrir estos asesinatos por los esbirros de Trujillo). Víctima de esta matanza fue también Rufino de la Cruz, chofer que las transportaba. Las hermanas Mirabal son también llamadas Mariposas o las mariposas, en referencia al alias que utilizó Minerva durante su lucha opositora.

La historia de esta lucha, de la lucha de esta familia y de estas hermanas, ha supuesto el que sean consideradas en su país, y fuera de él, como heroínas y mártires por la libertad y la democracia, y su vida y sus actuaciones han sido recogidas por la literatura y el cine.


Este crimen múltiple se llevó a efecto el 25 de noviembre de 1960, y ese día fue el elegido durante el I Encuentro Feminista de Latinoamérica y del Caribe, celebrado en Bogotá, en 1981, para celebrar todos los años, el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, o también llamado Día Internacional de la No Violencia contra las Mujeres.

Este día internacional fue refrendado por Naciones Unidas, en su resolución de 17 de diciembre de 1999. Instituyéndose desde entonces a nivel planetario el 25 de noviembre de cada año.

Este año, por tanto, se cumplirá el 50 aniversario de aquella funesta matanza y del inicio de la leyenda y la memoria para esas tres hermanas luchadoras por la justicia y la libertad de su pueblo.

La doble moral ( o La Iglesia sabe nadar y guardar la ropa)

Acabo de ver esta esquela en un periódico digital de reconocida tendencia hacia un lado (digamos que hacia la derecha), y según informa, ha sido publicada hoy en varios periódicos locales y nacionales. Esta esquela me ha parecido una burda artimaña demagógica y dogmática, que manifiesta en sí todo el oprobio que representa la doble moral burguesa que defiende la Iglesia, por un lado se hacen cruces con el aborto y por otro lado condenan a miles de personas a la enfermedad y la muerte prohibiendo el uso del preservativo en África, defienden una intachable conducta dentro de los ordenes morales , pero justifican y ocultan a clérigos de diverso pelaje que cometen actos de pederastia…

A esa burda esquela, se le podrían enfrentar miles de esquelas de igual mensaje dogmático y demagógico. Yo apuesto por esta de mi invención, pero podrían ser muchas más… Aunque tampoco vale mucho la pena darle mayor importancia de la que tiene.

El concepto de década (o la culpa fue del año 0)

Parece ser que este año asistimos a otro erróneo cambio de década, igual de erróneo que cuando celebramos el cambio de milenio en el fin de año de 1999. Este fin de año ya aparecen imágenes en las televisiones con reportajes que tratan de sintetizar una década que acaba, pero nada más lejos de la realidad, la primera década del siglo XXI, la primera década del III milenio, terminará cuando termine el año 2010, pues este año (el 2010) está incluido en esa década.


El concepto de década en la historia, parece ser que difiere del concepto del resto de los mortales, y esto es así porque no existió el año 0, se pasó del año 1 antes de Cristo, al año 1 después de Cristo, y esa inexistencia hace que una década vaya del año terminado en 1 al año siguiente terminado en 0, ambos inclusives.

Sólo a modo de ejemplo, diría que la primera década de la Era cristiana, va del año 1 al año 10, ambos inclusive, si terminásemos esta década en el fin de año del año 9, estaríamos restándole un año a la década, igualmente el siglo I de la Era cristiana iría del año 1 al año 100, ambos inclusive, y no podríamos celebrar el cambio de siglo en el fin de año del año 99, porque ocurriría lo mismo que con la década, nos faltaría un año.

Por esta misma razón, celebramos mal en todo el mundo el cambio de milenio, cuando se celebró en el fin de año de 1999, aun nos faltaba un año, pero eso ocurrió también por otras razones más comerciales y otros intereses más globalizadores.

Todos somos emigrantes ( o No pidas a quien pidió ni sirvas a quien sirvió)

He creado un pequeño video con la idea de suscitar algún debate en el aula con los alumnos. Un debate que contemple el derecho de las personas a buscarse un futuro mejor, el derecho de todos a escapar de la miseria, de la persecución, de la muerte. Porque, como dijo Paul Éluard, existen otros mundos pero están en este. Porque sólo hay un planeta Tierra y ha de ser para todos.



España, los españoles, somos un pueblo formado por muchos pueblos. Desde los fenicios y griegos, desde la llegada de los pueblos hallstátticos, cartagineses, romanos, árabes y bereberes… ¿Cuál es la esencia de nuestros ancestros?
Hasta hace poco tiempo, además, hemos sido también un pueblo de emigrantes. ¿Se nos ha olvidado quienes fundaron la ciudad de Montevideo en Uruguay, San Antonio de Texas, y otras tantas y tantas ciudades americanas? ¿Quién no tiene o ha tenido un familiar emigrante?

En España, la emigración tuvo un doble sentido, una doble utilidad. Por una parte trasladó fuera del territorio a una parte importante de la población excedentaria, en época de carestía de trabajo y de recursos, en época de hambre, y por lo tanto permitió que los que se quedaban viviesen mejor. Pero por otro lado, aseguró la mejora del país con las remesas de dinero en divisas que nos llegaban desde Alemania, Francia, Bélgica…y antes desde Cuba, Argentina, Brasil, Uruguay, Venezuela…


Sí, todos somos o hemos sido emigrantes, o al menos hemos vivido y sobrevivido gracias a la emigración, de una manera o de otra.


Y si todos hemos sido emigrantes, por qué ellos no pueden serlo tambíén, por qué no podemos ejercer el deber de asilo, el deber de ser tolerantes, de ser solidarios, no excluyentes, integradores en una nueva sociedad multiétnica y multicultural que nos haga avanzar a todos por igual, mismos deberes mismos derechos...¿Por qué no?

Why? (o las personas que valían lo mismo)

¿Por qué vale más un solo hombre del primer mundo que miles del tercer mundo?
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El niño con el pijama de rayas ( o la pérdida de la inocencia )

La novela del irlandés John Boyne, publicada en España en 2007, representó un boom editorial, no exento de méritos para ello frente a otras novelas llamadas literatura infantil y juvenil (supongamos la saga de Harry Potter). Esta novela supera en mucho su mera calificación infantil o juvenil. Si bien es verdad, que literariamente no me parece una joya (yo tampoco soy un experto en esto), es una novela muy aconsejable a cualquier edad, y especialmente para abrir un interesante y provechoso debate en el aula. Me pasa con ella lo mismo que me pasó en su día con El principito, de A. de Saint-Exupèry (salvando, ahora sí muchísimo, las distancias) que más allá de un cuento infantil, cada vez que lo releo encuentro nuevas experiencias sensoriales en mi ánimo adulto.

EL NAZISMO

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El tema no deja de ser un drama, un terrible drama con moraleja final, por lo tanto es una novela necesaria a partir de cierta edad (es una opinión personal) pero no a cualquier edad. Hace unos meses, tal vez algún año ya, una compañera me pidió que diese a los alumnos de 3º de ESO, una pequeña introducción, explicándoles que era el nazismo, que supusieron los campos de concentración, donde se contextualizaban estos históricamente, etc. Se pretendía con ello introducir a los alumnos de este nivel en el ambiente en el que se desarrolla la novela, pues fue ese año de obligada lectura para ellos.
Yo realicé un pequeño power point para ilustrar todo esto, y que lejos de ser exhaustivo sólo pretendía dar una pequeña referencia del momento y la situación que reflejaba la novela.



Ese trabajo es lo que acompaña este texto, pero dividido por problemas técnicos en dos partes, por una el power point y por otra el documento gráfico y musical que concluía el pps después de la última diapositiva.
Otras novelas y películas han tratado el tema de los campos de exterminio y reclusión y la guerra con la visión inocente de un niño, y en concreto me refiero al conocido Diario de Ana Frank o a la película La vida es bella de Roberto Benigni, que no deja de ser un drama sin dejar de ser una comedia.

De nuevo con la monja ( o ¿No es oro todo lo que ...)

Hace unos días incluí una entrada sobre la monja Teresa Forcades, y un vídeo donde esta hacía apología de la no vacunación, vídeo que ha tenido mucha repercusión y que ha levantado una cierta discusión sobre el tema de la gripe A, la vacunación y la actuación de las empresas farmacéuticas.

Si puse el vídeo de la monja benedictina, es de justicia que ahora dedique un espacio a uno de los artículos críticos con ella y con sus ideas y propuestas. El artículo en cuestión está firmado por María R. Sahuquillo y Emilio de Benito, y será publicado el día 4 de este mes en el periodico El Pais (aparece hoy en la edición digital como avance).

Otra cuestión que generaría también idas y venidas, dimes y diretes, sería la de la medicación para la gripe A, no sólo la vacunación, pero eso ocurriría con cualquier medicamento. El único medicamento que no hace daño es el que no te tomas.


Sea como sea, me sigue gustando esta monja y...siempre que sea mediante la dialéctica y la palabra, el debate está servido.

No sabe, no contesta ( o la pareja ausente)

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Esta fotografía que encontré en internet, no sabría decir en que lugar, me resulta tan sugerente que no he podido dejar de referirme a ella. La elegí en principio para ilustrar un texto, un poema tal vez, pero fue tal su capacidad para causarme impresión que he querido mostrarla como protagonista de esta entrada.
No sé quién es el autor, y me gustaría saberlo, porque es una fotografía que expresa multitud de emociones y sensaciones. La fotografía podría llevar por título “Soledad” y sería entendible. También podría ser su título “Incomunicación”, o “Abandono”, o “Hacia el final de una historia”, o tantos y tantos títulos le cabrían que sería prolijo intentar escribirlos todos.
Es una fotografía que nos resulta, tristemente, reconocible. Alguna vez hemos estado a uno u otro lado de esa mesa. Alguna vez nos hemos sentido como uno u otro de los personajes. Porque hay dos personajes, aunque uno de ellos sólo esté implícito. Tal vez sea una imagen que se esté repitiendo en muchos lugares en este mismo momento.
La magia de esta fotografía, creo, reside en expresar muchas emociones desde una sola instantánea, desde un espacio quieto, inventado pero terriblemente doméstico y familiar. El poder de sugestión de esta fotografía no nos deja indiferente. Al menos a mí no me deja indiferente.

¡ Vacunas ! No, gracias (o la monja que lo tiene claro)

Me ha llegado un largo video a mi correo (más de 50 min.), que me ha sorprendido gratamente. Se trata de una monja que arremete contra la vacunación de la gripe A, o lo que es lo mismo, justifica argumentándolo todo muy bien, el por qué no es aconsejable el vacunarse contra la gripe A.
Esta monja de la orden benedictina, es algo más. Es licenciada en medicina por la Universidad de Barcelona, especialista en medicina interna por la Universidad de Nueva York, y doctora en Salud Pública por la misma universidad. Aparte de otros estudios de distinto cariz. Sé que no es una panacea el que sea médico con formación reputada (que feo esto de reputada referido a una monja), pero es para convenir que no es sólo una monja, sino una doctora en medicina.



El video tiene sus más y sus menos, pero me parece un alegato muy documentado y muy valiente para los tiempos que corren, y con unas propuestas muy sociales y beligerantes. Subscribo, casi punto por punto, el artículo de Rosa Montero en El País, y creo que es un video muy combativo y que permite entablar un debate serio sobre la gripe A, sobre lo mediático de la enfermedad, la actuación de los gobiernos e instituciones nacionales y supranacionales y, sobre todo, de las grandes empresas farmacéuticas. Sobre este último tema me parece muy interesante el trabajo de la misma autora que bajo el título de Los crímenes de las grandes farmacéuticas hace un análisis muy interesante y revelador del papel de estas compañías, y como son movidas en sus acciones empresariales por un interés mera y exclusivamente dinerario.
Creo que Teresa Forcades i Vila, es un personaje muy interesante, que merece cierta atención y cierta reflexión. Y lo digo yo, que me encuentro muy lejos de cualquier sospecha de levítico o de cándido. Pero, sencillamente, lo que es…es.

Murió la Negra Sosa ( o se fue la mensajera pero quedó el mensaje)

Tenía yo 13 o 14 años, cuando una de las redactoras de la revista AMA, creo que esta revista desapareció, me regaló unos cuantos discos promocionales. Eran singles, de vinilo (como no podía ser de otra manera) y de variada temática cada uno de ellos. Había uno de marchas militares, otro de Vicente Fernández, cantando “El rey”, y un tercero de una tal Mercedes Sosa, con una canción titulada “si se calla el cantor”. Canción de Horacio Guarany, pero que ella supo hacerla propia. Este disco fue para mí toda una revelación, casi un viaje iniciático en mi estrenada adolescencia.

Con este disco descubrí a la cantante, a la voz poderosa y melodiosa a la vez. Pero también, con ella, descubrí el acento de un continente que hablaba de dignidad y de justicia, de trabajo y de decencia. Descubrí el compromiso, la lucha social… Aprendí que son posibles otros mundos, pero que todos ellos están en este, y somos todos nosotros los que los hacemos posibles. Luego vendrían otros como Víctor Jara, Quilapayún, Atahualpa Yupanqui, Violeta Parra…



Ahora ha fallecido la voz, la mensajera, pero pervive el mensaje. Escuchar a Mercedes Sosa será siempre escuchar la voz de un pueblo oprimido, de una gente en busca de un mejor futuro, de un continente beligerante.

Mercedes Sosa vivió la persecución y, sobre todo, el exilio. Requiescat in pacem.
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Madrid 2020 (o la ciudad perseverante)

Parece ser que no pudo ser, para una vez que se ponen de acuerdo para algo los unos y los otros...


Dicen que la perseverancia es una virtud, siendo así, Madrid lo es, y sus dirigentes y administradores son también muy virtuosos, por que ya van tres y...
Aunque decir esto a toro pasado es fácil, pero esperemos que todo salga "según lo previsto" para el 2020 o para el 2024 o para el 2028... ¿Quién dijo miedo?
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Los niños en la guerra ( o por qué nos empeñamos en seguir llamándonos humanos)

Las imágenes de guerra, de cualquier guerra, siempre buscan la imagen de un niño, la cara de un niño, los ojos de un niño, para darnos a entender todo el drama, todo el dolor. Los niños representan las principales víctimas en toda contienda. Doblemente víctimas, pues por un lado son inocentes a todas luces en el conflicto y por otro lado están indefensos ante esas atrocidades.

Cuando miramos los ojos de un niño en una imagen de guerra, nos damos cuenta de todo lo que somos, de todo lo que podemos llegar a ser, y el ser humano desciende a los infiernos, su consideración se devalúa hasta extremos insospechados.

Podemos ver la guerra en los ojos de un niño, no solamente en sus fotografías, sino en las imágenes que ellos representan. En sus dibujos, vemos el dolor, pero también la esperanza, vemos la tragedia, pero también el cariño, el deseo de un mundo mejor, y en muchas ocasiones deseosos de poder escribir, por fin, la palabra PAZ.


Dejemos que hablen los niños, miremos la obra de los adultos y sintámonos avergonzados. Nunca es tarde para rectificar, nunca es tarde…salvo cuando la mirada de un niño se mancha, turbia, por el llanto y por el dolor, por el abandono, la separación, el exilio...

Luchemos, sí. Luchemos por que los niños no sean nunca más “carne de cañón”, por que no sean las víctimas de guerras que no han provocado, para que todos sepamos preservarlos de ese trance, de esa miseria de los seres humanos.

Para que nunca más veamos en una fotografía de guerra la mirada de un niño.
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25 años ( o seguir queriéndote así casi duele)

Cuentan las crónicas, que un día como hoy, hace 25 años, me casé con la Mujer (permitanme que lo escriba con mayúscula) que es la madre de mis hijos, mi compañera, mi amante y de la que estoy, para bien o para mal, muy enamorado (así, sin rubor ninguno). Enamorado.


¿Quién dijo que es fácil? ¿Lo es la vida, lo es el trabajo y la obligación, lo es la devoción...? Pero todo se simplifica cuando se parte de una verdad universal, el Amor (permitanme la osadía de escribirlo, también, con mayúsculas. Aunque suene muy, muy cursi).

25 años de paz (jejeje), 25 años de amor, 25 años...

A esta mujer habría que hacerle un monumento, porque 25 años junto a mi...no es nada sencillo, nada fácil.

Quien sabe, tal vez, dentro de otros 25 años siga con este blog y pueda volver a informar que sigo igual de enamorado (y digo igual por que, hoy por hoy, más es imposible). Tal vez mañana les cuente otra cosa, pero a fecha de hoy... quiero morirme entre sus brazos.

La capacidad de lo simple (o como decir mucho con tan poco)

Hace unos días, revisando correos electrónicos antiguos (a ver si me decido a borrar alguno), vi un correo en el que se me enviaba este vídeo. En aquel momento lo vi, pero tal vez no le preste atención suficiente. Creo que vale la pena difundirlo, me parece un buen corto, porque al igual que los cuentos, concentran en muy poco espacio-tiempo (sólo dura 3 minutos) mucha información, muchos mensajes.

Prefiero no comentarlo y que se comente él por si mismo, por que en este caso, sobraría todo comentario.

Ojalá que este vídeo sea totalmente ininteligible para los niños de dentro de unos años. Lamentablemente, los niños de hoy en día saben muy bien de que se trata en él.

Siguiendo el hilo de este video, consulte la página de donde proviene, y creo que es un filón de buen trabajo cinematográfico, con un lenguaje visual, simple pero efectivo en cada momento, y con buenos mensajes, muy bien realizado. Por lo tanto, no me resisto a remitir desde aquí mis más fervientes felicitaciones a Marisa Crespo y Moisés Romera y a su apuesta por Proyecta Films.



Este de arriba es otro ejemplo del trabajo de este grupo. Pero si tienes curiosidad y te apetece ver algunos más, puedes hacerlo en su página "sala de proyección".
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La ”escuela de Londres” (o la resistencia de lo figurativo)

La llamada “escuela de Londres” no era tal. Al menos no existió como tal. Se trató de la conjunción extraordinaria de una serie de artistas de nivel internacional, que confluyeron en el tiempo (a partir de los años 40 del pasado siglo) y en el espacio (Londres y sus alrededores). También poseían una característica que, esta vez sí, les daba una importante homogeneidad en el concepto del arte, todos ellos practican una pintura figurativa, que contrastará frente a las tendencias abstractas que se daban en aquellos mismos años por Estados Unidos y por el resto de Europa, los unos mediante el expresionismo abstracto, los otros mediante el informalismo.
El nombre de “escuela de Londres” se lo dio uno de sus propios “miembros” R.B Kitaj, pero aparte de este artista, también se incluirá a F. Bacon, F. Auerbach, M. Andrews, L. Kossof, L. Freud, etc. Y algunos contemplan una “segunda escuela de Londres”, o una segunda generación de aquella, con artistas como Paula Rego, Bill Jacklin, Celia Paul, Tony Bevan y Stephen Conroy.

Pero salvando estas dos dimensiones, un tiempo y un espacio y, quizás, alguna proximidad en cuanto a la concepción del arte. Lo cierto es que muchos de estos artistas eran solitarios, algunos herméticos en cuanto a su creación. Podríamos encontrar contactos entre algunos de ellos, como la amistad que unió a Bacon y Freud, y alguna influencia entre ellos, pero no es la norma, y no se puede tomar como elemento demostrativo de esa relación entre los supuestos miembros de la “escuela de Londres” (también llamada Pintura del desastre). Nunca realizaron actividades intencionadamente juntos, ni proclamas ni manifiestos que denotaran una voluntad de grupo.
Destacaría de entre estos artistas a R.B. Kitaj, a Francis Bacon, pero sobre todo a Lucien Freud. El nieto de Sigmund Freud, se presenta como un artista capaz, con sus obras, de sacar a flote los demonios que cada espectador lleva dentro. Su tratamiento del cuerpo humano, sin tratar de expresar humanidad, ni dignidad, sólo la presencia del ser humano en su más desgarrada desnudez, sin erótica ni retórica, hace que cada espectador interprete la obra en función de su propia psicología, de su propia concepción del arte y de sus valores culturales. En definitiva, un artista que plantea la figura del hombre más allá de su condición humana. La especie humana con todos sus matices, sus grandezas y, sobre todo, sus miserias.
La obra de Lucien Freud, puede gustar o no gustar, pero dificilmente deja impasible al espectador que la contempla.
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Fotos históricas retocadas (o quítate tú pa’ ponerme yo)

En todos los estados totalitarios se ha empleado la propaganda como uno de los elementos imprescindibles para su supervivencia. Tal es así, que en todos ellos, sean del signo que sean, la realidad ha sido adaptada a los fines más nobles y elevados del Estado, más allá de que respondan a la verdad o no. Esto también ha ocurrido con la fotografía histórica, que se ha adaptado a las necesidades de la apologética estatal sin ningún tipo de escrúpulos, aunque para ello tuvieran que quitar de aquí y poner allí.


Como ejemplo próximo tenemos esta fotografía de Franco en Hendaya, en su famoso encuentro con Hitler, en donde un desgraciado parpadeo de ojos, le impidió mostrar al caudillo su mejor imagen “ojo avizor”, y aparecía en la fotografía original con los ojos cerrados. Ningún problema, arreglado.

Pero me llama más la atención, las siguientes fotografías, se trata de soldados rusos en el tejado del Reischtag (parlamento alemán) en Berlín, después de la toma de la ciudad a finales de la II Guerra Mundial. Esta foto fue utilizada por Stalin como propaganda triunfal, pero tenía un problema. En la primera fotografía el oficial soviético que aparece bajo el soldado abanderado presenta un reloj en cada muñeca, signo evidente de que el pillaje no era ajeno a estos soldados, cosa prohibida y poco edificante para el espíritu proletario. Pero nada es irresoluble, se quita el reloj de una de las muñecas (segunda fotografía) y…ya tenemos la foto propagandística perfecta.


_________pincha sobre las imagenes para ampliar________


En las siguientes imágenes, no se han quitado relojes, ni se han abierto ojos, se han quitado personajes históricos directamente. En una de las fotos aparece Lenin con Trotski, cuando Troski cayó en desgracia con Stalin, ¡¡ fuera Trostki !!, “no problem”. La otra fotografía responde al mismo espíritu de eliminar cualquier rastro de un personaje de la historia de un país, aunque para ello haya que eliminarlo de las fotos,a veces también se eliminaban del mundo. Se trata de Mao Tse-Tung (primero por la derecha) en una fotografía donde aparece, en la original, con Po Ku (primero por la izquierda), uno de los líderes iniciales del Partido Comunista Chino, y posteriormente caído también en desgracia.


O sea, que la historia, como siempre, la siguen escribiendo los ganadores, aunque para ello tengan que amoldar la realidad a sus necesidades. Total, en estados totalitarios un retoque de photoshop más o menos no tiene la menor importancia.
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Felicidades, mamá¡¡ (o poema a Doña Inés)

Porque parir es sólo un acto de naturaleza, pero ser madre es un acto de fe.

Porque se puede parir sin amor, pero no cabe lo mismo en ser madre.

Porque te ayudan a parir médicos y comadronas, pero sólo te ayuda a ser madre la pasión y el coraje.

Porque me diste todo lo que de bueno había en ti, y ahora yo lo administro.

Porque siempre hay una luz en tu mirada, y una suave calidez en tu caricia.

Ahora que sólo tu presencia me acompaña…

...FELICIDADES MAMÁ, HOY ES TU CUMPLEAÑOS ¡¡




___Soneto a Doña Inés___

Porque todo es más fácil basándome en tus besos,
y nada se complica ni nada se demora
y en la geometría de tus labios, hora a hora,
mis días son livianos, más limpios, nada espesos.

Y ahora, en tu forzado silencio te acaricio
ese pelo cano y esa mano sanadora
y mis ojos a tus ojos su mirada implora
queriendo regresar a tu origen y a mi inicio

Y persevero en la búsqueda de tu sonrisa
sabiendo lo que pierdo si gana la desgana
el labio que nunca me interroga ya no besa

Perdido el interés por la urgencia y por la prisa
siento tu sereno palpitar en la mañana
buscando el sueño vivo que siempre te embelesa

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Pasaje Lodares en Albacete ( o el paradigma de un tiempo ya perdido )

Las galerías comerciales cubiertas, fueron una novedad arquitectónica y urbanística muy en boga en Europa a partir de mediados del siglo XIX. Las grandes capitales europeas diseñaron sus ciudades al cuidado de arquitectos y urbanistas, que trazaron los nuevos ensanches y los nuevos espacios de crecimiento urbano en relación con el desarrollo de la industrialización. Personajes como Haussmann en París, Cerdà en Barcelona o Castro en Madrid, idearán una nueva ciudad más racional y más ordenada.

Es en relación con estos procesos urbanísticos como la construcción de estas galerías va a proliferar por Europa. Así encontramos en Bruselas la considerada galería comercial cubierta más antigua de Europa, la “Galeries de Saint-Hubert” inaugurada en 1847, o la “Galería Vittorio Emanuele II” en Milán, tal vez una de las más monumentales, y construida entre 1865 y 1877.

Pero en España, sólo conservamos dos ejemplos de este tipo de construcciones. Uno se halla en Valladolid, y recibe el nombre de “Pasaje Gutiérrez”,más antiguo que el nuestro albaceteño, pues se construyó en 1885, aunque ha sido restaurado recientemente. El otro es este de Albacete, el “Pasaje Lodares”, situado entre las calles Mayor y del Tinte, en pleno centro de la capital.

Este Pasaje de Lodares es obra del arquitecto valenciano Buenaventura Ferrando Castells, y fue construido en 1925, siendo ya un ejemplo tardío de este tipo de construcciones. Fue dedicado a establecimientos comerciales y viviendas, por encargo de Gabriel Lodares, de quien recibe su nombre.

Por la fecha de su construcción participa de la efervescencia modernista, pero los elementos arquitectónicos y decorativos son muy variados, dándole un aspecto muy ecléctico a todo el conjunto, aunque destacan sus columnas renacentistas, cierto movimiento barroco en la fachada y las alegorías del comercio y la industria. También su cubierta de hierro y cristal, que es propia de todas estas galerías.

Es, sin duda, uno de los rincones más emblemáticos de Albacete, y un sitio de obligada visita para el foráneo que no conozca este lugar. Un espacio de arquitectura e historia que estamos obligados a conservar y fomentar, y al que le urgen, si no las tiene ya, diversas figuras de protección patrimonial que garanticen su supervivencia frente a los nuevos tiempos y a la especulación urbanística.

Dau al Set (o el reinicio de la vanguardia en España)

Tras la espantada que supuso la guerra civil para el arte en España, y aún más para el arte de vanguardia, fue en 1948 cuando surgió un primer intento fructífero de crear un grupo que dinamizase la creación artística y cultural en España, y en este caso, en Cataluña. Este grupo se denominó Dau al Set.

Dau al Set surgió en Barcelona en torno a una revista homónima que planteaba ya desde postulados dadaístas y surrealistas, la necesidad de potenciar el arte y la creación artística en España, y sacarla del letargo pronunciado en el que estaba.
Dau al Set reunió en torno así, una serie de artistas, literatos y pensadores, que supusieron una ruptura con la inercia cultural que se vislumbraba en este país. Artistas como Joan Ponç, A.Tàpies, Modest Cuixart, J.J. Tharrats, el poeta Joan Brossa, Juan Eduardo Cirlot, y el filósofo Arnau Puig. Todos ellos partieron con la propuesta de recobrar el surrealismo perdido con la contienda española.

El grupo estuvo activo hasta 1954, y se fue diluyendo poco a poco por motivos diversos , pero hasta entonces, supieron congeniar también la crítica interna y el reconocimiento exterior. Sus miembros fueron tomando alternativas diferentes y con trayectorias personales irregulares, que los fueron llevando por caminos y estilos diversos, pero que propició, sin duda, el desarrollo de la vanguardia en España.

De todos ellos, tal vez sea Antoni Tàpies el que mayor proyección alcanzó, tanto dentro como fuera del país, y fue él quien allanó el camino para la implantación del informalismo en España, como una forma de experimentar la vanguardia, que se vería reflejado años después en un segundo intento de dar salida al estancamiento del arte español. Este otro grupo fue llamado El Paso.
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Cuando el genio y la maestría se funden (o cómo visitar el cielo sin salir de casa)

Dicen que lo mejor que hicieron los españoles en Cuba tras su colonización, fueron los mulatos. Esto es así porque la fusión siempre es enriquecedora, siempre es creativa y aporta nuevos aires. Esto mismo debe de ocurrir con la música, pues de la fusión de unos dedos maravillosos deslizándose por el teclado del piano y otros dedos, no menos maravillosos, pulsando y rasgando las cuerdas de una guitarra, nos llega la música genial de estos dos artistas.



Michel Camilo es natural de la República Dominicana, y se desenvuelve espectacularmente con el piano por todos los registros posibles, desde lo clásico a lo jazzístico. Tomatito, natural de Almería, proviene de una familia gitana con larga tradición flamenca. Entre ambos, han fusionado sus genios y han dado a luz dos discos esplendidos.

“Spain” de 2000 y “Spain again” de 2006, son dos joyas musicales que todo buen aficionado al jazz debería escuchar, pero también todo aficionado a la buena música, pues se hermana el flamenco con el jazz latino, una música viva y vibrante que se conjuga en un idilio caótico y maravilloso. Surge de esa unión un nuevo estilo indefinible pero inolvidable.Piano y guitarra, guitarra y piano, una catarsis musical inaprehensible sólo para el oído, que necesariamente ha de llegar al corazón para entenderla.

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Si me tuviera que decantar por alguno de los dos discos, me quedaría con el primero, pero siempre sería una cuestión de gusto personal, el primero lo encuentro mucho más “fusión” entre jazz y flamenco, el segundo esta más trabajado, más pulido musicalmente.

Desde que descubrí el disco “Spain” de estos dos artistas, es rara la semana que no lo escuche alguna vez, y es raro que, siendo como soy, poco mitómano y poco rutinario para estas cosas, escuche un mismo disco tan a menudo. Deduzco, tal vez, que me gusta mucho. ¡¡ Tal vez!!
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